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古典音樂的發源地范文1

到白沙，很多都是為了來看一眼壁畫。

白沙壁畫仿似白沙的封面一般存在于玉龍雪山腳下的這個古鎮上。

除了壁畫，這里還有被稱為“音樂活化石”的白沙細樂，如今享譽世界的納西古樂也正是據此創作而成。

白沙壁畫、白沙細樂和白沙古鎮一樣，都有著悠久的歷史。白沙古鎮是麗江納西文化的發源地，而壁畫和細樂則自然地成為了白沙兩個最負盛名的文化代表。

白沙明代壁畫為國家級重點文物保護單位，據史料記載，以大寶積宮為代表的麗江壁畫，是在明初至清歷時期的300多年的時間里陸續繪制完成的。壁畫融漢、藏、納西文化為一體，眾教合一，展示了藏傳佛教和儒、道等的生活故事。白沙壁畫對各種宗教文化和藝術流派兼收并蓄，獨樹一幟。壁畫中所涉及的題材比較廣泛，有對當時自然風光的描繪，也有對宗教人物的細致刻畫，這些都或隱或現地表現了當時的世俗生活風貌，對后人了解那個時期的社會文化是一個很好的參考。

古典音樂的發源地范文2

一、概述

在吉他樂器中，古典吉他和電吉他是相對的，它與小提琴、鋼琴并肩齊名，在樂器的整個發展歷程中，有著不可或缺的重要位置。不過，古典吉他在確立這個名稱之間，還有個正式的名字――六弦琴，和lute琴、豎琴等均屬于古典式的琴弦樂器行列，它的適應性、典型性和藝術性較為明顯。

二、國外發展階段性分析

（一）公元8至9世紀

從分屬類別的角度來講有拉丁吉他和阿拉伯吉他之說。“吉他”類屬于弦琴體系中古典式把式樂器中的一類。其實，把式弦琴樂器在民間受到歡迎且較為流行。公元8世紀末至公元9世紀始，阿拉伯吉他和拉丁吉他就出現了，這也是古典吉他的起源。學術界認為，東方是吉他的發源地，或者準確地說古典吉他的根源，可以從伊貝利亞半島中世紀的彈撥樂器中可以追尋，具體的例證就是21世紀圣地亞哥德柯姆斯特拉大教堂正門的浮雕。

（二）公元13世紀

公元13世紀時期的卡斯提利亞國王阿爾風索十世，是最早的古典吉他音樂的追溯者。公元15世紀，吉他的舞臺上又多出了把式琴弦的分支魯特琴，從而導致了阿拉伯吉他的風光逐漸衰落走出了歷史舞臺。幾乎在同一時期，維拉琴也作為拉丁吉他另一形態進入了普通民眾的眼簾。從外部形狀來看，出現在公元13世紀的吉他有兩類：摩洛風吉他和四根弦的拉丁風吉他，前者呈長圓形、外形像葫蘆，后者則是四根弦、多個小孔附著在背部圓雕處。這段時期，古典吉他基本都是扁圓形狀的頭部，到15世紀時，被稱為“維烏埃拉”的拉丁風吉他彈奏方式開始出現劃片式。

（三）公元16世紀

維拉琴新的演奏方法肇事于16世紀，變劃片式彈奏為手指直接彈奏，并開始在民間、貴族、王室中盛行開來。至此，這種新樂器和新的彈奏方式漸漸地被人們掌握，鼎盛時期出現在16世紀30年代至80年代，在西班牙普及程度最高。也是在公元16世紀，古典樂器另一個重要分支――魯特琴也登上了歷史的舞臺，并保持長久不衰。追溯到文藝復興時期，把式弦琴發展并不盛行。這個時期的音樂家開始創作新的作品、加工原有的作品，為后來一段時期出現成熟的音樂作品奠定了基礎。進入16世紀真正的文藝復興，維拉琴和魯特琴普及程度達到了鼎盛，很多作曲家和演奏家陸續涌現出來。同一時期，演奏吉他的樂譜出現了文字和符號的形式，彈奏方式也出現了和弦反復撥奏，發展趨勢呈現中興狀況。

西班牙作為16世紀古典吉他的發源地，此時的古典吉他主要有四弦和六弦兩種，用途各自不一，四弦吉他主要以和弦反復撥奏為主，流行歌舞和民歌是其主要演奏形態，實效性較高。六弦吉他和前者不同，演奏曲目的主要途徑是借助逐個音符進行彈奏。從古典吉他的分類角度分析，四弦吉他屬于普通的大眾演奏型樂器，六弦吉他基本應用于王室宮廷和貴族府邸。不過，前者多聲部演奏的王室宮廷風格也比較普及，在西班牙、意大利和法國等地區，均已開始出現了類似于這種風格的演奏曲目。公元16世紀50年代至60年代，在法國的貴族階層中，也逐漸對這一類的演奏曲目開始關注了。

維烏埃拉基本出現在西班牙地區，現在能夠保存的七本有代表性的古典吉他演奏曲目的集輯中，出版來源地基本出自于西班牙。演奏維烏埃拉和著名音樂家及其創作的音樂作品比較多，其中包括佛安里雅那、米蘭、皮薩多爾（曲集1552）、巴爾德拉巴諾（曲集1547）等作曲家作品。公元16世紀40年代至50年代，維烏埃拉音樂進入了鼎盛時期，作品演奏較為集中。提恩托、幻想曲等作品處于這個階段的演奏高峰，作品創作的內容覆蓋了多聲部音樂創作和自由創意等方面。同時，演奏技巧在變奏曲中呈現了多樣性特點，演奏過程中民族風格也逐漸地清楚呈現出來。

所以，從古典吉他發展歷程來看，盡管此時的琉特琴音樂與維烏埃拉的音樂共存于同一時期，不過從古典吉他外部形態的角度來看，琉特體系中并沒有維烏埃拉音樂，維烏埃拉僅從屬于吉他類別。因此，在中世紀歐洲特別是西班牙的音樂體系里，古典吉他受到關注的程度是最大的。

（四）公元17世紀

維拉琴、魯特琴和西班牙吉他一同進入了公元17世紀后，古典吉他發生了新的變化。維烏埃拉的音樂悄然從歷史的舞臺中退出了，新的樣式開始出現，及大字G的五組弦加入了低音范疇并漸漸在民間開始普及和流行。巴洛克吉他，也就是西班牙吉他的叫法也在公元17世紀開始出現。這種類型的吉他以復弦為主（包括五組復弦），還具有一根最高的特殊弦。從調弦的角度來看，在公元17世紀全音調高的現象也出現了，這種特殊的變化和目前的調弦結構類型差不多。到了巴洛克時代，因為鮮明、簡易的演奏特點，西班牙吉他得到了基層民眾的普遍歡迎。需要指出的是，盡管大量民眾都青睞于西班牙吉他，魯特琴還是占據著重要的地位。巴洛克時期還出現了兩位重要的音樂家：素有“音樂之父”的巴赫以及懷斯，他們為魯特琴音樂的發展發揮了很大作用。

（五）公元18世紀

在這之前，古典吉他還是基本以四根復弦為主，這種以復弦為主的吉他存在調音復雜的缺點。在這樣的背景下，五根單線吉他開始出現并逐漸得到了大眾的認可。直至1970年，第六根弦也進入了吉他體系中，它的六弦式定音模式即EADGBE模式成為了目前吉他的主要模式。到了公元18世紀初期，琉特琴的記譜法和吉他記譜法基本類似，較為普遍的吉普方法是塔勃拉吐拉，也就是用平行線來代表弦，同時在上面標記有關的數字符號來確定音高。一根新弦和其他相關單弦也增加進了低聲部，并開始出現目前比較流行的調弦方法。古典時期，意大利地區彈奏吉他的音樂人才最多，其中比較出名的有格拉尼亞尼、卡魯里、莫里諾等研究古典吉他的學者。他們創作了不少較為經典的彈奏作品，比如卡爾卡西，他的不少作品現在已經列入了初學吉他課程體系，是一塊不容忽略的練習范本。再如，朱利亞尼的一些奔放豪邁特色的作品，也是非常有名的，他與索爾齊共同創立了兩大演奏派別。

（六）公元19世紀

19世紀的前半個時期，由于機器工業的出現導致了古典吉他的發展受到了影響，最突出的表現就是古典吉他的調弦改成金屬制成。不少有名的吉他制作匠師，如英國的帕諾爾摩、法國的拉柯特、奧地利的斯陶法等開始涌現出來。不過，西班牙的托列斯是真正確立目前吉他比例規格形狀的巧匠。19世紀50年代開始，古典吉他興盛趨勢漸減，就連法國的科斯特、維也納的默茨這樣的音樂大師，也沒有創作出多少音樂作品。從音樂發展的內部原因來分析，這個時期歐洲開始盛行浪漫主義音樂，人們的審美取向發生了變化，比較喜歡華麗宏大為標桿的作品。因此古典吉他便難以發展下去，同階段只有西班牙的維尼雅斯、費雷爾及卡諾創作了為數不多的抒情作品。其中，帕爾加的創作熱情較高，不少豐盛、熱烈的古典吉他的作品都是出自他手。

（七）公元20世紀和21世紀

這段時間流行音樂和爵士音樂普遍開始出現，同樣對古典吉他造成了影響。不過，此時一些新類型的古典吉他開始出現，外部構造和以前相比大不相同，比如，尼龍弦得到了廣泛運用。最為令人矚目的是，古典吉他的構造得到了改良，耶佩斯將六根復弦吉他改成了十弦吉他。古典吉他的改造除了在西班牙以外，還在德國、意大利和法國等國家有了發展。東方國家的日本此時也廣泛運用古典吉他。21世紀以來，吉他的科技化發展程度越來越高，電吉他得到了廣泛運用。盡管電吉他操作上十分方便，古典吉他仍然具有自己的優勢，如演奏有靈氣、靈活自如，這也是古典音樂愛好者喜歡它的重要原因。所以，在充滿現代氣息的城市環境里，具有獨特藝術風格的古典吉他，更能帶來不一樣的藝術享受，古典吉他必將迎來它的再次復興。

古典音樂的發源地范文3

關鍵詞：藝術歌曲；屬性；特點；德奧

藝術歌曲是聲樂作品中最重要的組成部分，對于不同的民族來說，不僅具有不同的特點，也體現出了不同的屬性。德奧藝術歌曲是藝術歌曲的發源地，因此，具有非常鮮明的代表性，它具有最大的價值并不是它的數量多么強大，而是它的精神和創作觀念，正是這種觀念促進了德奧藝術歌曲的持續發展，對世界范圍內的藝術歌曲都產生了非常積極的影響。本文以德奧藝術歌曲以及舒伯特、舒曼等作曲家為例，詳細分析了藝術歌曲的屬性和特點，希望為藝術歌曲以后的發展提供幫助。

一、德奧藝術歌曲的屬性

在中國和外國的藝術歌曲中，一些優秀的作品都是在選擇上就已經經過了慎重的甄選，而且所選擇的母本都是在文學領域中有一些成就的作家的作品，在這種情況下會給人一種非常強烈的感染力1。所以說，在藝術歌曲的創作中，如果從文學和音樂的結合上進行分析，那么可以看做是詩歌和藝術歌曲的結合。因此，藝術歌曲最重要的就是創作歌曲，而且非常注重文學和音樂的結合，這也就是廣義上的藝術歌曲。而我們經常說的藝術歌曲，實際上指的是以舒伯特為源頭而出現的，具有一定特點的聲樂作品，也就是狹義上的藝術歌曲。另外，德奧藝術歌曲是藝術歌曲的開始，具有一定的代表性，不管是在聲樂教學中還是在民族的藝術歌曲創作中，都存在著非常深遠的意義。

二、德奧藝術歌曲的特點

對于德奧藝術歌曲而言，主要以舒伯特和舒曼等創作型的作曲家為主，下面以舒伯特和舒曼為例，分析一下德奧藝術歌曲的特點：

（一）音樂風格方面的特點

在德奧的藝術歌曲中，舒伯特屬于古典主義和浪漫主義過渡時期的作曲家，也就是說，他所創作的作品不僅具有古典的影子，而且又帶有浪漫主義。而且，他的藝術歌曲通常情況下都是比較自由的，情感非常真切，曲風順暢，對人物的心理描述掌握的非常到位，充分體現出了作者對自由、幸福以及愛情的向往2。對于舒伯特來說，他最喜歡的就是利用分節歌或者是變化分節歌的形式來進行創作，再加上旋律和歌詞完美的結合，使他的藝術歌曲具有非常強的歌唱性。比如，讓人癡迷、忘情的《小夜曲》、真誠、安靜的《圣母頌》等，都體現了他富有歌唱性的音樂風格。除了這種安靜沉穩的形式表現出了古典音樂的特長，他的藝術歌曲還具有較強的浪漫主義情懷。而舒曼的音樂最主要的就是浪漫主義情懷的體現，他的作品基本上都屬于旋律溫柔、感情細膩等風格，不僅表現了愛情的主題，而且會給聽者一種跟隨的情感，使其跟隨者不同尋常的想象力去感受不一樣的情感。比如，《婦女的愛情生活》《桃金娘》等，都是他非常得意的代表作品。他最喜歡的創作形式是通譜體，一般情況下，這種創作形式的結構不是特別規律，而且錯綜復雜，通過不協調音程以及大小調和模糊調的應用，給聽者一種朦朧的感受。舒曼的藝術歌曲創作為浪漫主義開辟了一個全新的領域，而浪漫主義的創作特性在他的作品中充分得到了體現。所以說舒曼藝術歌曲最明顯的創作特征就是詩意和幻想，給人一種朦朧的感情。

（二）歌詞方面的特點

在藝術歌曲的歌詞方面，舒伯特將歌曲的曲調與浪漫主義的抒情詩詞非常完美的結合在了一起，而且是世界上的第一人，被人們成為音樂史上的“藝術歌曲之父”。在藝術歌曲的創作中，舒伯特非常重視詩詞的韻律和語言的重音，對詩歌中的感彩掌握的非常準確，并且通過旋律的運用和鋼琴的伴奏對詩詞進行了完美的體現。在舒伯特的歌曲中，能夠將旋律和節拍非常完美的結合在一起，當聽者在傾聽舒伯特的藝術歌曲時，會感受到歌詞中的韻律之美，這是其他作曲家所不能與之相媲美的3。而舒曼是在舒伯特創作的基礎上對藝術歌曲的賦予了更多的浪漫主義情懷，因為舒曼的文學修養比較高，因此在藝術方面的表現要更加有深度，再加上他非常注重詩歌本身所帶有的藝術，在詩詞選擇上也非常慎重，所以他被人們稱為“詩人音樂家”。與其他的作曲家相比，舒曼更具有詩人的特質，比如敏感、神經質等，也正因為這些詩人的特質，使他的作品都表現出了對生活的想象和向往，從而在詩歌中融入了更多的情感。用舒曼自己的話來說，他用音樂的手段將詩歌創造的更具詩意。

（三）鋼琴伴奏方面的特點

對于藝術歌曲的鋼琴伴奏而言，在舒伯特的藝術歌曲創作中，充分展現了鋼琴伴奏的地位，徹底了以往以聲樂為主，鋼琴伴奏為輔的歌唱形式，使鋼琴伴奏和旋律人聲處在一個相同的位置，將二者融合在一起，從而體現出了詩歌的內容，塑造了音樂的形象，表達了思想情感。為了能夠充分強調詩詞的內在含義，體現出浪漫的情懷，在《冬之旅》中，舒伯特就運用了不同伴奏交織的形式，比如連音、和弦以及跳音等交換使用，從而最大程度的體現了藝術歌曲中的情感，并且使用鋼琴伴奏在前奏、間奏以及尾奏加大參與力度，從而起到加強人物內心情感的作用。舒曼在鋼琴伴奏方面的造詣非常深，而且還開辟了鋼琴伴奏的新領域。在上文中提出，舒伯特將鋼琴和歌唱放在了相同的位置，而在舒曼的藝術歌曲創作中，基本上是將鋼琴和聲樂融合在了一起，形成了一個整體。比如，在歌曲《自從我看見了她》中，舒曼將短小的動機，通過模進、轉調以及擴充等創作手法的應用，使其成為了一部鋼琴和聲樂交融的“交響曲”；又比如在《核桃樹》一曲中，鋼琴伴奏和人聲以一問一答的形式完美展現了本首歌曲的意境；再有，在《當我凝視著你的眼睛》的歌曲中，主要是以鋼琴和歌聲共存的形式存在的，其“卡農”式的唱法促進了音樂的良好發展，而且還提升了歌曲的意境。另外，舒曼還會在歌曲中加入前奏、間奏以及尾聲的形式來體現歌曲的意境，從而將情感充分的表現出來，開辟鋼琴伴奏的新領域。綜上所述，雖然舒伯特和舒曼的作品都是德奧藝術歌曲的代表做，而且具有一定的共性，但是他們在個人的風格和創作上卻又存在著很大的不同。德奧藝術歌曲是聲樂藝術的靈魂，因此掌握它的特點非常關鍵，所以，一定要了解舒伯特和舒曼創作的風格，從而觀察他們之間存在的區別，實現藝術歌曲風格、氣質以及音樂上完美的統一，促進藝術歌曲的持續發展。

作者:杜思偉 單位:廣東嶺南師范學院

注釋：

1.孟卓.我國藝術歌曲特點淺析[J].大眾文藝，2011，03：26-27.

古典音樂的發源地范文4

關鍵詞：鋼琴爵士樂；節奏；切分；搖擺

中圖分類號：J624.1 文獻標志碼：A 文章編號：1007-0125（2014）08-0103-02

在所有音樂種類中，爵士樂是最為流行的種類之一。許多音樂家、學生以及普通的音樂愛好者對爵士樂都具有濃厚的興趣。然而，在傳統的音樂教育中爵士樂的學習始終沒有得到應有的重視。

一、起源

爵士樂初源于19世紀末20世紀初的美國，它是一種融合了歐洲與非裔美國人兩種文化的專業領域音樂藝術。爵士樂由民歌發展而來，有多種源頭，其中最主要的是以下三種：

（一）黑人的精神圣歌――最有名的非洲―美洲音樂是宗教性的。這些優美動人的歌曲白人也聽，不過比鄉村黑人教堂里演唱的這類歌曲多一分上流社會的味道。今天人們所知道的福音音樂（gospel music）更準確地說是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感，

（二）布魯斯――"布魯斯"一詞被譯為"悲傷"。它是來自流浪者乞討的艱苦生活的歌曲。在蓄奴制被廢，黑奴得到解放以后，非洲―美洲音樂的發展很快。軍樂團所棄用的樂器加上新獲得的遷徙自由形成了爵士樂的根底

（三）拉格泰姆――用鋼琴演奏的舞蹈性音樂。"拉格泰姆"是Ragtime的音譯，詞意是"參差不齊的拍子".故又稱為"散拍樂"，它是從非洲民間音樂發展而成的，它以豐富的切分和自由的即興為其贏得全世界流行樂迷和鋼琴演奏家的青睞。特別是爵士樂也屬于流行樂，由于其風格獨特，變化豐富，因此能夠巧妙加入爵士樂因素的流行樂作品往往可以與眾不同，脫穎而出。

二、誕生

爵士樂的發源地是新奧爾良，爵士樂團通常在游行隊伍的前面演奏，至1900 年左右，新奧爾良銅管樂隊將拉格泰姆與藍調音樂融合到一起，這被認為是爵士樂誕生。

現今，爵士樂是一種，融合了不同民族的傳統音樂和專業學術領域的作曲家的作品的音樂形式。最常見的爵士音樂種類： 靈歌、 藍調、 拉格泰姆，布吉烏吉。爵士樂的主要特點：即興創作；復雜的節奏；旋律與和聲特殊的結構；各種音色和擬聲元素。

三、爵士樂的節奏

在爵士樂中，節奏是表達的主要手段之一。

爵士節奏中，常見“三對二”――不以常規的重拍為重拍，改變切分音的細節 ，音的錯位的rubato節奏等等。在爵士音樂中節奏的特點被反映在錯位、 搖擺， 切分和重音。

（一）切分音

爵士音樂中充滿著切分音，而這些切分音給爵士樂增色不少。切分音的重音在中間。比如在行走時可以感覺到切分音：如果在每走一步之前拍手。在爵士音樂中，有幾種類型的切分音：三個音的小切分，在小節之間的4個音的切分（有同音連線的），還有帶有休止符的切分音。由不同的切分音有慢速和中速，特別是一個好方法是象聲詞讀出來。在爵士樂的切分音與古典音樂中的切分音是不同的。在爵士樂切分音是加速的、 放慢速的，在重拍保持更長的時值。

非洲的切分音也用在爵士樂中。在非洲切分音中，重拍或是提前或是錯后。原來旋律從原有的節拍上發聲移動和錯位。旋律變得有節奏地自由。這被稱為“交叉節奏”：他們將兩拍子音樂與三拍子音樂結合在一起。并且在“交叉節奏”中將小節中的雙數重音改為單數重音。

（二）搖擺

爵士樂另一個非常重要的特點是有“節奏的搖擺”。“swing”在的翻譯是上搖擺運動。“搖擺”是音樂家的通過一系列技術的轉換成爵士樂中的一個主題的能力。擺動的主要手段是運用切分音、 和節奏的改變。開始學習爵士樂的人們首先要掌握的是“搖擺”。“搖擺的音樂”，是一種韻律搖擺、聲音之間過渡、節奏的韻律轉換的技能。搖擺的基本特征來自于"近似的節奏"。" off-beat "。這種" off-beat "使得節奏或提前或錯后。從技術極大地影響技法和奏法。建議您多聽聽有和領先爵士歌唱家-路易 ? 阿姆斯壯，艾拉 ? 菲茨杰拉德、 B.B KING、 法蘭克辛納屈、 雷?查爾斯和其他人的錄音。初學者掌握swing基本技術，建議您用以下方式學習。

1、訓練節奏：數1/4拍，然后數八分音符，然后數三連音，最后將它們綜合在一起。

2、重音的移動，將重拍移位到傳統節奏的弱拍上。從簡單的節奏開始，可以用奏拍手的方式訓練節奏。

3、奏法，找到正確的演奏技法對于音樂性格起著至關重要的作用。

在學習swing之后，您可以開始學習不同體裁的節奏： Blues、 Bossanova 對于一個學生來說，學習表演爵士樂片斷時必須重視對節奏感的訓練。要先從簡單的爵士樂逐步開始。因此有必要考慮到學生的音樂能力、 他的演奏水平，以及對音樂理論的掌握程度。這種對爵士樂訓練應基于通過練習爵士樂習題來得以實現。這些練習和所有后續工作的目的是要形成一種內在的節奏脈動、 熟悉復雜的節奏，為學生彈奏爵士樂作品做準備。形成爵士樂節奏感可以從說唱（da na ba等）象聲詞來感受爵士樂節奏的脈動。因為當我們只是查拍子時是無法認真聆聽和感受節奏的。

想訓練好學生的節奏感，需要認識和學量的不同體裁的爵士樂節奏。在發展的節奏性原則需要特別注意聲音的攻擊性和音的結尾。因為，需要準確的彈奏出爵士風格的斷奏和連奏。重要的是演奏出熱情和輕松的氣氛。

（三）即興創作

埃靈頓公爵認為，即使當演奏爵士樂作曲家現成作品是也應該賦予作品即興創作成分。左手更多是在模仿低音提琴、吉他和打擊樂，所以左手應該相當活躍地作為獨奏作品的領導者，用節奏營造爵士樂表演氣氛。

四、對于初學者學習爵士樂的推薦計劃

（一）聽聽老師示范演奏或音頻資料。

（二）了解曲式結構。

（三）找出有節奏困難片段用擊掌的方式復述出來。如休止符、切分音、自由延長、搖擺。

（四）了解和聲。

（五）分手演奏，找出困難片段。

（六）與老師合奏：老師演奏一只手，學生演奏另一只手。

（七）敲擊出準確的節奏積極地彈奏出來。

（八）單獨的彈奏出開頭與結尾，細節，力度對比等。

（九）完整地演奏出整首作品，敲擊出重拍，敲擊出不同樂章的自然過渡到另一個。

（十）兩只手同時演奏，但是分別聽其中的一只手的內容。

（十一）演奏出音樂會的效果。

結語

本文對爵士樂的起源、誕生、節奏、及學習方法等幾方面進行了分析，希望通過本文的論述能夠引起爵士樂音樂愛好者以及音樂專業在校生的重視，對學習爵士樂的初學者帶來一些幫助。

參考文獻：

[1]德克?蘇特羅.我的第一本爵士樂書[M].北京：人民郵電出版社，2013.

[2]格勞特帕斯卡利.西方音樂史[M].長沙：湖南文藝出版社，2000.

[3]傅雷.傅雷談音樂[M].長沙：湖南文藝出版社，2002.

[4]杰夫?戴爾.然而，很美[M].浙江：浙江文藝出版社，2013.

[5]莫里斯?杰羅.爵士樂[M]北京：人民音樂出版社，2010.

古典音樂的發源地范文5

關鍵詞：哈輝“新雅樂”；國學傳播；文化復興；國學音樂化

中圖分類號：J209 文獻標識碼：A 文章編號：1673-2596（2016）02-0229-04

從建國初期的“土洋之爭”到20世紀的“國學熱”，傳統與現代從“針鋒相對”走向“你中有我，我中有你”，傳統文化得以多樣化的方式傳承，變化的是形式，不變的是精髓。2010年8月7日哈輝《辟雍?新雅樂音樂會》世界巡回演唱會啟動儀典在孔廟上演，開啟了哈輝的新古典音樂藝術絲綢之路，同時也給傳統文化開啟了絢麗多彩的新篇章。

哈輝，中國古典音樂演唱家，新雅樂創始人，中國國學推廣大使，組建了新雅樂府。2008年初春，哈輝個人藝術演唱風格正式由“民歌”轉型為――“跨界古典”演唱風格，08年5月參加奧運會倒計時100天，演唱新雅樂歌曲《2008-禮》。同年受到以色列文化部與外交部的邀請，2010年10月在特拉維夫―古羅馬遺址舉辦《弦詩?哈輝新雅樂演唱會》。哈輝在搜狐博客“哈輝新雅樂時代”中寫道：“《關雎――后古典雅樂》可謂我藝術生涯的轉折點，在這張新專輯上，我傾注了自己所有的創作熱情，靈感與創新，一方面是為自己的藝術夢想，一方面是要通過我的音樂向大家再現中國古典文化的精髓。”

一、哈輝“新雅樂”的藝術形式

哈輝“新雅樂”作品形式多樣，猶如百花園里盛開的鮮花，絢麗多彩、爭奇斗艷、數不勝數，每一件作品都散發著獨特的藝術魅力。本文從哈輝《辟雍?新雅樂音樂會》、古羅馬《弦詩?哈輝新雅樂演唱會》、《關雎――后古典雅樂》專輯以及新雅樂單曲中列舉了一些主要的藝術形式。

（一）詩、樂、舞

在古代，詩歌、音樂與舞蹈三者是結合為一體的。《樂記》中說：“詩，言其志也；歌，詠其聲也；舞，動其容也。三者皆本于心。”《詩經》、《楚辭》、唐詩、宋詞、元曲在古代都是用來歌唱的。

哈輝的新專輯主打歌曲《關雎》就是選自《詩經?周南》的開篇，配以中國畫的水墨意境，詩與歌的完美結合展現出一幅唯美的畫卷。《詩經》在文學史上的地位毋庸多言了，先人們當時到底是怎樣歌唱的，我們已經無從考證，哈輝演唱的這首《關雎》由作曲家林海賦予了古色古香卻又新鮮清雅的釋義，鮮活再現了“關關雎鳩，在河之洲。窈窕淑女，君子好逑……”的周代社會風習及倫理道德認識。

（二）書法

墨在中國傳統文化中占有重要地位，書法代表著古代的文化。舞蹈《墨香》中舞者象征著墨的顏色的黑色服飾，單臂水袖舞動著，以靈動的身形把水與墨的交融表現得淋漓盡致。背景有一老者的書法表演如游龍戲鳳、行云流水，一氣呵成的書法藝術和古琴時而蒼勁有力時而清脆幽靜的音樂聲融為一體，把對中國傳統文化的敬仰之情傳導到每一人的心里。

（三）茶道

中國的茶文化有幾千年歷史。茶道興于唐而盛于宋，唐人云：“以茶可行道，以茶可雅志。”今人將茶道歸結為“廉、美、和、敬”，即“廉儉有德，美真康樂，和誠處世，敬愛為人”。

歌曲《茶香》中哈輝在現代樂器技法與古韻古風混合的音樂聲中表演了茶藝，歌唱雖與現代歌曲風格更為相近，但在其他表演者身著漢服，執宮廷禮儀的背景畫面中，歌、樂、茶藝凝聚成茶道的靈魂“天人合一”，體現出傳統文化中以“和”為核心的茶道精神。

（四）吟誦

吟誦有著兩千年以上的歷史，亦稱“吟詠”，是人們對漢語詩文的傳統誦讀方式。書不盡言，言不盡意。言之不足故有詠嘆。通過吟誦，詩詞文賦的內涵和韻味更能得以完全呈現，堪稱傳統文學之活態。因其逐漸消亡，已被列入國家非物質文化遺產行列。

李煜的《虞美人》在哈輝似唱非唱，頓挫起伏的吟誦聲調中，配以古琴演奏家王鵬低沉又悲憤的音調表現了李后主的亡國之痛、故國之思、凄楚之情，對千古傳誦不衰的著名詩篇《虞美人》進行了最詳盡最精煉的解讀。

（五）古琴

古琴在古代稱之為瑤琴、玉琴、七弦琴。號稱樂器里的活化石，是中國最古老的彈撥樂器之一，在孔子時期就已盛行，有文字可考的歷史就有四千余年。因其與雅樂清音相伴，被視作是古代君子的修身之器。古琴的聲音帶著中華民族博大精深的文化底蘊和燦爛文明從古回蕩至今。

古琴演奏家王鵬演奏的古琴曲《鷗鷺忘機》出自《列子?黃帝篇》，其中《好鷗鳥者》講述了這樣一個寓言：“海上之人有子歐鳥者，每旦之海上，從鷗鳥游，鷗鳥之至者百住而不止。其父曰：“‘吾聞鷗鳥皆從汝游，汝取來，吾玩之’。明日之海上，鷗鳥舞而不下也。”

意為：在那遙遠的海岸上，有個很喜歡海鷗的人。他每天清晨都要來到海邊，和海鷗一起游玩。海鷗成群結隊地飛來，有時候竟有一百多只。后來，他的父親對他說：“我聽說海鷗都喜歡和你一起游玩，你乘機捉幾只來，讓我也玩玩。”第二天，他又照舊來到海上，一心想捉海鷗，然而海鷗都只在高空飛舞盤旋，卻再不肯落下來了。

解釋：“鷗鷺忘機”一詞即來源于上述寓言的前半部。“忘機”是道家語，意思是忘卻了計較，巧詐之心，自甘恬談，與世無爭。“鷗鷺忘機”即指無巧詐之心，異類可以親近。后比喻淡泊隱居，不以世事為懷。

王鵬精湛的演奏技藝讓聞者能由心靈感受到樂曲的神韻，聞之有塵俗盡釋、超然物外之感。

二、哈輝“新雅樂”的演唱技巧

國外的媒體形容哈輝的嗓音與演繹――“如在絲綢線上滾動的水露珍珠，圓潤而輕靈，飄逸而醇香，音聚而帶神聚，形散而神不散”。哈輝的唱腔淳厚質樸，跌宕有致，具有“圓、潤、糯”三大特點，被美國格萊美獎古典評委Josh先生稱為中國獨特的“吟弦腔”，堪稱一絕。

（一）唱――“吟弦腔”

哈輝獨特創新的唱腔“吟弦腔”，賦予了作品全新的藝術魅力。

“圓”：字正腔圓，原是戲曲唱念的基本原則方法，現代聲樂的發展吸取了中國戲曲演唱的這一精髓，已成為歌唱藝術的重要原則了。字正是指字準、字真、字純；腔圓指的是聲音的圓潤和腔調的婉轉。哈輝的吐字清晰，咬而不死，咬而無痕，把“字正腔圓”這一原則在她的新雅樂作品里體現得淋漓盡致。

“潤”：哈輝新雅樂作品演唱中運用了許多對唱腔加以美化、裝飾、潤色的技法，歸納起來主要有：斷音潤腔法、裝飾音潤腔法、音色變化潤腔法、聲音造型潤腔法、力度變化潤腔法、節拍、節奏潤腔法等。這些技巧被哈輝恰當地綜合運用到了極致，對形成其作品獨特的藝術風格、韻味和藝術感染力起著決定性的作用。

“糯”：哈輝的音色軟糯，流暢舒展、婉轉柔和。音色取決于情、氣、腔，在哈輝的作品中，情感的表現絲絲入扣，拿捏得一分不多一分不少；氣聲的運用推波助瀾，讓情感與音樂渾然一體；在潤腔的美化中賦予歌曲靈魂，讓文化的精髓伴隨著音樂“潤物細無聲”。

（二）演――“清雅傳神”

哈輝的表演清新、儒雅、靈動、輕盈，似一幅水墨畫，沒有太多雕琢、奢華的痕跡，卻如清泉，甜潤入心。其風格凸顯出了中國女性所特有的――柔美、含蓄、嫻雅與古雅之魅力。哈輝演唱會上由著名服裝設計師葉錦添設計的服裝古樸典雅，具有極強的視覺沖擊力。漢代服飾多樣化地展現，結合漢代的禮儀融入表演，加上古典舞的造型和韻味，舞臺畫面與哈輝的演唱成為視覺與聽覺的盛宴，唯美到極致。

三、哈輝“新雅樂”的文化內涵

哈輝說：“傳統文化博大精深，含義廣泛，但無論是承載諸子百家思想精髓的文化典籍，還是包含了陶冶性情，頤養心性的琴、棋、書、畫的顯性文化元素，其根本是整個華夏民族生生不息，難以割裂的民族精神和民族氣節。”

（一）唐詩、宋詞等經典名篇佳作

唐詩、宋詞是中國文學史上的兩顆明珠，體現了唐宋時期人們對精神文化生活的追求，具有時代的烙印。唐宋時期因國家的繁榮昌盛，人民文化生活也日益豐富多彩，涌現了許多才華橫溢的詩人、詞人，留下了寶貴的傳世名篇佳作。新雅樂作品中很多取材自唐詩、宋詞，如《山行》（唐 杜牧）、《春曉》（唐 孟浩然）、《蝶戀花》（宋 蘇軾）、《青玉案 元夕》（宋 辛棄疾）、《相思》（唐 王維）、《鵲橋仙》（宋 秦觀）、《一剪梅》（宋 李清照）等。在古代的形式、古代的內容上，哈輝和她的創作團隊以現代的技法創作和演唱賦予唐詩、宋詞以全新的面貌，使前人留下的非物質文化遺產得到了一種全新的更適合的流傳方式。

（二）儒家思想

儒家思想主要內容可概括為：“仁、義、禮、智、信、恕、忠、孝、悌”。這九個字從古代沿用至今，教人做人做事的道理和行為準則。不管時代如何變遷，做人做事的道理卻是不會變的。

作為“新雅樂”的創立者，哈輝在她的音樂中充分體現了“禮”和“樂”的融匯，使“禮”的內容賦予“樂”的形式，以“樂”求“禮”，以“樂”載“道”，使聽眾在滿足于感官愉悅的同時，又能從內心感受到音樂的意蘊。“禮”是中國傳統文化的核心，也是我們中華民族的一種思維方式，一種行為準則，而“禮”都是圍繞著“德”展開的，是為了弘揚和表彰“德”而設計的。有德的人必然是最懂得愛人的，懂得珍視人的價值的，懂得尊重別人的。哈輝說，她要做的音樂就是一個人的精神，一個民族的精神。

其代表作品有《2008-禮》、《孔子曰》、《女德》等。《2008-禮》這首作品曲調平和，柔緩而又莊重，通過“禮”“樂”的融合，充分展現了傳統禮樂“敬、靜、凈、雅”的要旨，形成了一種全新的音樂風格，同時成功地加上了中國文化的烙印。在5000多年文化背景的積淀下，新雅樂作為世界性的傳播語言，把中國傳統文化以音樂的審美意象呈現給世界，向世界展示了中國文化的深厚及魅力。

（三）茶文化

中國是茶的故鄉，也是茶文化的發源地。茶文化的內涵其實就是中國文化內涵的一種具體表現，談茶文化必須結合中國漢文化而論之。中國素有禮儀之邦之稱謂，茶文化的精神內涵即是通過沏茶、賞茶、聞茶、飲茶、品茶等習慣和中華文化內涵、禮儀相結合形成的一種具有鮮明中國文化特征的一種文化現象，也可以說是一種禮節現象。

哈輝新雅樂作品《茶香》通過茶藝與歌唱的結合以新穎的方式融匯中華民族茶文化與禮儀涵養予其中，是對茶文化更為雅致的解讀。

（四）酒文化

酒文化作為一種特殊的文化形式，在傳統的中國文化中有其獨特的地位。在幾千年的文明史中，酒幾乎滲透到社會生活中的各個領域。為創作復興中國酒文化 瀘州老窖高端品牌“國窖1573”特邀哈輝“新雅樂”團隊為其創作長達4分鐘的電視宣傳影片，講述中國酒文化，著名作曲家吳璇，作詞家郭曉曄再次聯袂合作，創作了《與君飲》。哈輝作為首位國學推廣大使，讓國人品鑒美酒之余了解中國酒文化。

中華民族的文化博大精深，立足哈輝的“新雅樂”作品，本文列舉了幾個方面，不足以概括全貌。哈輝的“新雅樂”作品以及其他國學復興使者們不斷創作的新作品將會給國學精髓更多更好的演繹。

四、中國國學傳播的創新方式對文化復興的現實意義

國學是中華民族輩輩累積、代代相延、時時創新的精神脈動，是在時間的淘洗和實踐的磨礪中聚合凝練的智慧結晶，是閃爍在歷史長河之中光耀子孫后代的燦爛星空，是中華民族之生生不息、奮斗不止的心靈磁場、情感紐帶和身份認同。

哈輝“新雅樂”這一國學傳播的創新方式，以其內容的創新、形式的創新、精神的創新給中國文化的復興開辟了更廣闊的天地，使國學音樂化、音樂樂教化，國學插上音樂這一特殊藝術形式的翅膀，飛向中華民族大眾的心里。

（一）內容的創新賦予文化復興時代的氣息

現在我們所稱的“國學”是指中國傳統文化中的精華與當代文化中的精華相融的學術精髓簡稱，決不是簡單的復古，不知繼承、改造和揚棄的國學其生命力勢必不能長久。中國傳統文化中的精華主要來自儒家思想，其核心就是道德教育，教我們如何做人，如何修身、然后方可齊家、治國、平天下。儒家對中國文化的發展起了決定性的作用。

哈輝“新雅樂”在傳統文化的傳承方面與時俱進，內容結合時代的需求更加詳盡和提升。例如：她把她對“婦德、婦言、婦容、婦功”的理解展現為女子生活禮儀的《茶香》；把女子對丈夫忠貞思念之情化為《相思》與《長相知》；新雅樂的代表作《禮》打開了很多遠在海外的游子之心；專為兒童創作的國學啟蒙經典《聲律啟蒙》讓每個孩子發現原來我們在說話和寫作的時候，語言竟可以如此優美，同時讓他們可以感受到中華古典音樂的古韻之美。從小培養他們詩一般的心靈。

（二）形式的創新開拓文化復興廣闊的道路

20世紀初興起國學復興熱潮，各種各樣的國學復興形式在探索中開展，如國學培訓班、國學進課堂、國學講座、國學專題電視節目、國學知識競賽等。哈輝作為首位國學推廣大使，近些年來一直潛心研究國學音樂化，旨在“以禮修身，以樂化性”。以其多樣的藝術形式給國學開創出更廣闊的道路，如：書法、舞蹈、古琴、茶道、吟誦等。自哈輝“新雅樂”世界巡演開始以來，中國國學文化在全世界范圍內影響巨大，各國人民對漢文化的學習與研究熱情上升到空前的高度。國內的國學音樂化進展神速，國學吟誦活動和國學內容的音樂創作作品等精彩紛呈，通過音樂來演繹國學，讓傳統文化得到了更好的保護和傳承。

（三）精神的創新是文化復興精髓的升華

中國歷史悠久，上下五千年的文明，凝聚了數不盡的文化精髓。經數十朝，歷幾千代，中華文明所繁衍出來的傳統文化，一直伴隨著人類社會的發展而支撐著我們的精神世界。歷史經驗告訴我們，任何民族在任何時展變化，必須重視弘揚本民族的傳統文化，離開了傳統文化，就丟掉了民族之魂，失去了發展的方向，也就淡化了民族特色。

作為中國國學推廣大使，哈輝經常受邀參加國際間文化交流活動。她認為國內的文化作品與國外相比最大的差距就是民族個性的缺失。許多作品不是抄襲國外就是元素的簡單重復堆砌，而真正可以為世人所稱頌的作品一定是“思想性”和“形式美”和諧的統一。在哈輝的《相和歌―子衿》、《茶香》、《關雎》等諸多作品中都體現了國學文化和藝術形式的融合，在聽覺上感受到音樂的美，在視覺上感受到漢服的古典美及表演的形式美，在心靈上感受到文化精髓的美。為此哈輝表示，藝術家首先要打開思路，解放思想，立足國內的同時放眼世界，學習借鑒外國文化的優秀成果，尤其是要從文明的根基上吸取養分；其次大膽創新，但又不能失去自己的民族性，尤其是像中國這樣有著悠久文明史的國度，更應該從我們自身的文化中得到創新的靈感；最后藝術家也要加強自身的學習，要時刻對未知的世界保持好奇心，創作的激情才不至于衰退。

五、結語

中國古典文化正在復活，沉睡的東西逐漸蘇醒，文化復興是一項長期而艱巨的工作，國學使者“哈輝”們任重而道遠，由哈輝引領開創的國學音樂化道路正在成為我國文化復興道路中不斷探索、發展創新的一項新嘗試。在“新雅樂”的音樂傳遞過程中，秉承中華民族傳統文化的核心“以和為美”的精神理念，使聽者達到人與自身的“和”，人與人之間的“和”，人與社會的“和”。故此，“新雅樂”所起到的是傳承禮樂文化、復興禮儀之邦精神的傳承作用，讓更多的中國人通過“新雅樂”，回歸到民族的根性，回歸到禮儀之邦“仁與禮”的精神起點上，凝聚華夏子孫之魂，促進民族和諧與統一。“哈輝”這樣一些國學復興的引路人，他們對民族文化復興具有強烈的責任感與使命感，并不斷孜孜以求地以振興中華禮樂文化，弘揚中華核心價值觀為己任，以自己深厚扎實的文化內涵與卓越的藝術技能讓國學精髓世代傳承，讓我們的民族文化之花常開不敗！

參考文獻：

〔1〕楊蔭瀏.中國古代音樂史稿（上冊）[M].人民音樂出版社，1981.

〔2〕龔妮麗.音樂美學論綱[M].中國社會科學出版社，2002.

〔3〕王次.音樂美學[M].高等教育出版社，1994.

〔4〕項陽.當傳統遭遇現代[M].上海音樂學院出版社，2004.

古典音樂的發源地范文6

【關鍵詞】鋼琴演奏；復節奏；分手練習；慢練

一、前言

復合節奏（Polyrhythm）也稱為復節奏。換句話說，就是同時進行幾種不同的節奏，就是對于一個整體節拍來說，其中可以完成多個分節拍的劃分。例如：選取一個6拍作品，一般來說我們以以下方法進行展示：強，弱，弱，次強，弱，弱。對于復合節奏來說，其可以將6拍進行“4拍+2拍”的拆分，這樣一來，其主要的表現形式就是“強，弱，次強，弱，強，弱”這一個方式[1]。民間音樂活動是多人之間合作的活動類型，是復合節奏的早期發源地，有一段時期在中南美洲、非洲以及印度的音樂文化里大量存在，影響力非常大，同時還非常有趣，后來逐漸發展成為一種非常重要的節奏形式。在古典音樂作品中最早使用到復合節奏，其出現量的變化是在浪漫主義時期。與此同時，在浪漫主義時期則實現了質的飛躍，發展到20世紀，跟其相關的古典音樂以及浪漫主義音樂發展空前[2]。對于那部分標新立異的印象派音樂來說，最為常見的一種形式就是復合節奏形式。在后期各種風格的音樂之中，復合節奏已經得到了非常廣泛的運用。

二、鋼琴演奏中復節奏的分手練習以及慢練技巧

（一）復節奏的分手練習

大多學生在復合節奏學習的過程中，沒有足夠重視分手練習的重要性與有效性。他們認為開展分手練習會浪費時間。其實，開展有效的分手練習可以減輕大腦負擔，同時還可以降低技術難度。明確每只手的彈奏任務，可以從根本上避免盲目急躁情況的出現，這樣一來就可以促使練習者冷靜地完成彈奏，實現高質量高效率的演奏。所以做好左右手配合是復合節奏分手練習的主要目的，使雙手可以同時完成兩個不同的節奏。如肖邦《幻想即興曲》譜例：

同時還可以完整統一練習者左右手的音樂線條，促使其更加清晰地表達，在上述基礎上促使練習者雙手聲部結合，實現自然完美的演奏。《論鋼琴演奏》中有提到“復合節奏”的問題，該書由著名鋼琴家約瑟夫?霍夫曼所作。其針對“復合節奏”問題做出了以下詳細的分析：“只有一個辦法完成兩個不同的節奏的兩只手同時彈奏。那么就需要針對音符進行分手練習，之后彈到準確無誤就可以了。在分手練習之后再兩手合彈，不用對其中的任何節奏進行考慮。”[3]可以看出，約瑟夫?霍夫曼非常重視復節奏分手練習的重要性。但是分手練習并不是彈奏的目的。這樣一來，在同一節拍速度下就可以在單手練習的基礎上左右手不同節奏分別能夠獨立完成，最后完整以及統一，并且實現音樂節奏的完美演奏。在進行節奏彈奏的過程中，需要練習者在大腦中α礁鍪值慕謐喔芯踅行有意識的傾聽，同時還要完成兩個不同的節奏記憶的建立。在此基礎上，練習者就試著合起來雙手完成整合彈奏，在分手練習的過程中，練習者需要同時聽兩個節奏，在聽的過程中，完成左右手不同節奏律動的獨立系統的構建。

上述提到的練習方法實質上是專業級別的鋼琴老師主要提倡的一種復合節奏，也是非常有效的練習方法。在實際工作中，大部分鋼琴老師都會按照自己的經驗反對對節奏進行準確劃分，他們認為準確劃分會促使音樂節奏處于一個支離破碎的情況下，進而難以完成有效的演奏。如果專業鋼琴學生音樂天賦較好，那么上述方法值得學習，效果也非常顯著，同時還可以促使音樂實現有效的完整統一。但在實際工作中，對大部分鋼琴學生來說非常有必要進行相關的分手練習工作。所以需要在實際工作中，合理有效地劃分復合節奏，之后進行相關的節奏練習，完成有效的分手練習，在此基礎上實現最有效的雙手配合，完成音樂作品的完美演奏。如肖邦《幻想即興曲》譜例：

（二）復節奏的慢練

大部分鋼琴練習難題的有效解決首選的也是最有效的方法就是慢練，慢練也是復合節奏最科學最有效的一個練習方法。有經驗的老師都會強調慢練的重要性，大部分老師還會重點教慢練的方法，因為如果不會慢練，就不會彈鋼琴。

慢練最大的特點就是需要彈奏者實現思維的高度集中，專心致志，之后要相應地放慢速度，拉大音與音之間的間隔。在實際復合節奏慢練的過程中，練習者具備足夠的時間去完成音跟音之間的分析與思考，促使每一個音可以被準確有效地放到正確位置。音被放置成功之后就會出現非常有序的音樂線條，在練習之后，音實現連貫。這樣就可以促使練習者左右手出現非常獨立的音樂節奏，從而實現音樂整體的“涇渭分明”情況。但是需要注意的是，在進行慢練彈奏的過程中，練習者需要準確地讀譜，同時還要完成冷靜的分析。

在開展復合節奏練習的過程中，左右手沒有直接對應關系是最難解決的問題。所以需要在實際工作中對上述節奏進行一系列科學有效的分析，之后在慢練的過程中高度集中思想。這樣一來就可以基本解決這一難題。本人根據多年的教學經驗認為：完成一系列有效的教學以及練習工作來實現復合節奏的練習，首要的就是從根本上掌握復合節奏所存在的左右手關系，在此基礎上對學生進行正確的指導，之后畫出復合節奏結構圖，這樣一來學生在學習過程中一看就清楚復合節奏。

在舉一反三之后就能夠在按照復合節奏左右手音符實際數目最小公倍數的基礎上完成任何復合節奏對應錯位關系的計算。例如《幻想即興曲》第二段一開始是兩小節形式的左手分解和弦，其練習一般不會出現什么問題。在第二小節練習的過程中，就會出現“3對2”的節奏形式，這時候大部分練習者就會存在明顯雙手合不上的情況。產生這種情況的主要原因是：在日常練習的過程中，練習者已經彈習慣了對應關系練習，其具有非常限制的規則性。如果是左右手非規則性對應關系的復合彈奏，那么我們就會發現左右手的第一個音實質上是對齊形式的，右手第二個音之后才會出現左手的第二個音，這是彈奏的基本原則，或者說夾在右手第二音和第三個音之間的就是左手第二音。在進行樂曲慢練的過程中，“2對3”的復合節奏就可以直接完成。所以，在練習復合節奏的過程中，需要從根本上掌握正確的左右手對應關系，之后再完成有效的慢練練習，這樣一來就可以從根本上解決慢練的問題。

對于練習過程來說，慢練只是整個過程中非常重要的練習方法，并不是最終的練習目的，也就是說還需要練習者完成分階段的提速工作，對音樂感覺進行有效的體會，之后就按照自己的感覺去彈奏樂曲，逐漸達到樂曲原來的速度，但要注意雙手快速彈奏不需要過早或者過多，因為非常有可能出現左手節奏重蹈覆轍的情況。在實際工作中，會存在非常錯亂的左右手節奏對應關系，因此還要堅持分手練習，同時還要做到一步一個腳印，這樣一來就可以準確完成流暢的彈奏，對于音樂節奏的前后統一需要重點關注，同時還要保證音樂風格的統一。如果操之過急，則會產生反作用，即“欲速則不達”。如肖邦《幻想即興曲》譜例：

三、結束語

綜上所述，對于復合節奏的練習來說，具有非常簡單的練習方法，那就是先完成劃分時值的分析，在分析完成之后還要掌握正確的左右手的錯位關系，然后開始分手練習，保證準確無誤之后實現慢速合一，最終達到原速需要經過分階段的提速練習，同時還要有感覺地提速練習。所以，學生在進行整個復合節奏練習的過程中，需要進行有效的分手練習以及慢練。這是非常有效的方法，同時也可以算是一種捷徑。時值準確劃分主要的目的就是促使學生做到心中有數，對于速度提前有一定的掌握。但是需要記住的是，不可以完全依賴，禁止生搬硬套，需要重點關注音樂的感覺，同時關注音樂的表現，從而達到非常顯著的表演效果。

【參考文獻】

[1]秦琴.探索高校鋼琴教師的專業成長之路――讀《培養世界冠軍的鋼琴教育家但昭義系列叢書》有感[J].美與時代（下），2015（12）：120-122.